ARCHIGRAM

                                                                        Archigram

Archigram fue un grupo arquitectónico de vanguardia creado en la década de 1960, principalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres-. Enmarcado en el antidiseño, era futurista, antiheroico y pro-consumista, inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos hipotéticos. Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene.

En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocada hacia la tecnología de supervivencia, experimentaron con tecnología clip-on, medios desechables, cápsulas espaciales y con la imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamourosa era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de lado.

Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la obra del arquitecto italiano Antonio Sant'Elia. Richard Buckminster Fuller fue también una importante fuente de inspiración. Los trabajos de Archigram sirvieron, a su vez, como fuentes de inspiración de trabajos posteriores como el Centro Georges Pompidou, hecho en 1971 por Renzo Piano y Richard Rogers así como la obra de Gianfranco Franchini y Future Systems.

                              Pompidou

ROBERT VENTURI

Robert Charles Venturi.

Nació en Filadelfia, Estudió arquitectura en la Universidad de Princeton. Uno de los más influyentes teóricos del siglo XX. Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.

En su “Complejidad y contradicción en la arquitectura” de 1966 defiende una posición contraria a la arquitectura moderna, contra su pretensión de buscar sólo la diferencia y la novedad. Quiere mostrar la complejidad de la forma arquitectónica que no puede ser reducida a un solo sistema lógico y estético (como defendían los modernos). Argumenta que esta arquitectura no es adecuada para un período de cambio como es de los 60’, haciendo de esta voluntad de cambio su objetivo entonces se separa de ellos autodenominándose postmoderno. La postmodernidad significa la superación del movimiento moderno. Un aceptar las complicaciones del hombre común en vez de ignorarlas y plantear un empezar de cero como hacían sus predecesores.

Charles Jencks, nacido en Baltimore (Estados Unidos) en 1939, estudió en la Universidad de Harvard, primero Literatura Inglesa y después Arquitectura; en 1970 se doctoró en Historia de la Arquitectura en la Universidad de Londres. Jencks practica como arquitecto. En su obra Modem Movements in Architecture, aparecida en 1972, empleó un modo de observación orientado por el estilo inglés de ensayo literario y por el tono provocador del pop art, cuyas observaciones y conclusiones pueden ser tan perspicaces como inconsistentes.
Jencks fue uno de los primeros en transponer el concepto de la posmodernidad, procedente de la crítica literaria, a la arquitectura.

 A Jencks le importan exclusivamente las cuestiones estéticas. Emplea el concepto semiológico de códigos que el estructuralismo francés había puesto muy de moda en los años setenta para criticar la «univalencia» y el reduccionalismo elitista de la arquitectura moderna y para postular una «ampliación del lenguaje arquitectónico en diferentes direcciones: hacia lo castizo, lo tradicional y hacia la comercial «jerga de la calle». En la arquitectura pos moderna, Jencks ve un «eclecticismo radical» en el que diferentes lenguajes formales arquitectónicos se comentan unos a otros, un «doble código... que se dirige tanto a la élite como al hombre de la calle». Critica la forma univalente de los edificios de Mies van der Rohe, cuya «gramática universal» significa un «desprecio universal por el lugar y la función», en la que todo es intercambiable. Del mismo modo critica la estética mecanicista de la arquitectura de los años sesenta y la creencia en un espíritu de los tiempos definido por máquinas y tecnología.

Giovanni Battista Piranesi

Giovanni Battista Piranesi nace en Mogliano Veneto, el cuatro de octubre  de 1720 y muere en Roma el nueve de noviembre de 1788) fue un arquitecto, investigador y grabador que realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.

Sus entusiastas reproducciones e interpretaciones de antiguos monumentos romanos supusieron una importante contribución para la formación y desarrollo del neoclasicismo. En estos grabados se incluían imágenes fidedignas y exactas de las ruinas existentes, al igual que reproducciones imaginarias de antiguos edificios en las que la alteración de la escala y la yuxtaposición de elementos contribuyen a realzar el carácter de grandiosidad de los mismos.

Una de las primeras y más renombradas colecciones de grabados de Piranesi fueron sus Prisiones ,en donde transformó las ruinas romanas en fantásticos y desmesurados calabozos dominados por enormes y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte. Estos grabados ejercieron una enorme influencia en el romanticismo del siglo XXi jugando también un destacado papel en el desarrollo, ya en el siglo XX, del surrealismo e incluso en los decorados para el cine de terror.

Rafael Moneo

Rafael Moneo Vallés es uno de los representantes más destacados de la arquitectura española contemporánea. Nació en Tudela, Navarra, el 9 de mayo de 1937. Cursó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y colaboró en varios proyectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza. Cuando obtuvo el título de arquitecto, trabajó con Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la Ópera de Sydney.

En 1973 Moneo había establecido su propio despacho en Madrid, compaginando desde entonces por un igual el diseño arquitectónico con la enseñanza. En ambas actividades denunció la tendencia moderna de crear edificios con criterios de corto plazo, y defendió el diseño de obras que puedan mantenerse actuales durante un largo tiempo, a modo de monumentos. En la línea de lo que ha sido llamado el racionalismo contextual, Moneo no sigue las corrientes de utilitarismo y expresionismo europeo,  sino que refleja en sus obras una versión suavizada del estilo nórdico y de la tradición Holandesa.

Diseña y construye el "Centro cultural y auditorio del  Kurssal " en San Sebastián, descrito por Moneo como un elemento mediador entre lo natural y lo abstracto, en la línea del pensamiento oteiciano, despertó el interés de la crítica; por el giro que suponía en el trabajo del arquitecto navarro. Una obra conflictiva que supuso numerosas críticas al arquitecto, un error provocó el derrumbamiento durante la obra de la gran escalera del edificio principal (afortunadamente sin víctimas). Se ha convertido, una vez finalizada, en un icono de la ciudad.

LOUI KAHN

LOUI KAHN

Louis Kahn (1901, Osel, Estonia-1974, Estados Unidos) fue un arquitecto norteamericano. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Pensilvania (1920-1924). Durante sus estudios, trabajó para el estudio de Hoffman y Henon, como diseñsador; y para el de John Molitor, donde se desempeña como jefe de algunos proyectos.

Construyó el primer techo de hormigón formado por una estructura de tetraedros con armadura espacial, en la Galería de Arte de la Universidad de Yale (1952-1954), dejando al descubierto los dispositivos de iluminación y los ductos del aire acondicionado.

La obra de Louis Kahn abandona el funcionalismo de la bauhaus y el estilo internacional, relacionándose con la búsqueda de Le Corbusier. La temática principal era el espacio y la luz.

Para Kahn, el espacio de un edificio debía ser leído como armonía de espacios iluminados, y cada espacio se definiría por su estructura y su iluminación natural. La estructura se elige en función de la luz.

Para el arquitecto, un edificio comenzaba como algo inconmensurable y pasaba a medios mesurables durante la etapa de diseño, pero debía culminar siendo nuevamente inconmensurable.

Kahn afirmaba que la forma caracterizaba una armonía de espacios apropiados para ciertas actividades humanas.

KENZO TANGE

Arquitecto japonés, una de las figuras más importantes de la arquitectura del siglo XX en su país. En sus proyectos para edificios públicos ha sabido conciliar el estilo y los materiales de la modernidad occidental con las formas tradicionales niponas. Nació el 4 de septiembre de 1913 en Osaka y estudió arquitectura e ingeniería en la Universidad de Tokio, donde llegó a ser profesor en 1946. Consiguió el reconocimiento internacional gracias a su proyecto de 1949 para el Museo de la Paz en Hiroshima. La mayoría de sus estructuras son de hormigón armado, el material moderno más apropiado para la construcción en Japón, un país donde los terremotos son frecuentes y el uso de acero y el vidrio está muy limitado. El arquitecto franco-suizo Le Corbusier, el gran maestro en el empleo de hormigón en bruto, ejerció sobre Tange una influencia decisiva. Durante la década de 1950 proyectó un gran número de edificios públicos como palacios de congresos, bibliotecas y ayuntamientos. Su estilo se consolidó en 1958 con las oficinas para la Prefectura de Kagawa en Takamatsu, un edificio de nueve plantas en el que dejó a la vista el sistema de vigas y pilares de hormigón pretensado, inspirado en las estructuras de madera de los castillos medievales japoneses. Para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964 construyó dos pequeños estadios, caracterizados por su elegancia y por la disposición de cubiertas suspendidas. Su catedral católica en la capital nipona (1965) es una composición sencilla centrada en una aguja helicoidal de hormigón y vidrio, flanqueada por cuatro cubiertas parabólicas de acero inoxidable. Fue el responsable de la planificación general de la Exposición Universal de 1970 celebrada en Osaka, y a partir de este encargo dio un giro a sus planteamientos estilísticos, evolucionando hacia una arquitectura más orgánica. Entre sus proyectos más visionarios destaca el plan de ampliación de Tokio, basado en la ocupación de su bahía, aunque el más monumental sea el de las torres gemelas para las oficinas del Gobierno Metropolitano de la ciudad (1991).

LINA BO BARDI 

 Arquitecta brasileña nacida en Roma, aunque vivió en Sao Paulo (Brasil) hasta su fallecimiento. En 1948, con el arquitecto Gian Carlo Pallatini, abrió en la capital Paulista el Estudio de Arte Palma, presentando proyectos modernos con diseños atrevidos. Desarrolló el arte de construir muebles que podían ser doblados y apilados, usando madera comprimida. Las sillas y las mesas tenían piernas divergentes en la base y las esquinas. En Salvador creó el Museo de Arte Popular de Bahía y en 1968 proyectó el Museo de Arte de San Paulo (MASP). En esa institución desarrolló una intensa actividad cultural que incluyeron exposiciones didácticas y cursos de Historia del Arte.

ALVAR AALTO

ALVAR AALTO

Arquitecto y diseñador finés, uno de los más destacados del siglo XX, logró dotar al racionalismo puro, tanto en sus edificios como en sus muebles, de un encanto y calidez poco comunes. Aalto nació el 3 de febrero de 1898 en Kuortane, y se graduó en la Escuela Politécnica de Helsinki. Sus primeros edificios famosos son las oficinas e imprenta de un periódico en Turku (1927-1930), célebre por las columnas afiladas que sostienen el techo de la sala de prensa; la biblioteca de Viipuri, que se ha convertido en ejemplo de este tipo de edificios para la arquitectura moderna; y el sanatorio antituberculoso de Paimio (1929-1933), donde, además de los avances tecnológicos, los pacientes disfrutan de elementos arquitectónicos como los soleados balcones, abiertos hacia unas magníficas vistas.

La reputación internacional de Aalto creció con una serie de edificios anteriores a la II Guerra Mundial, todos ellos realizados con estructuras de madera, como el Pabellón de Finlandia de la Exposición Internacional de París de 1937 o la Villa Mairea (1938-1939), construida para un cliente acomodado, en donde además consigue, siguiendo los principios de la arquitectura racionalista, una sensación de lujo hasta entonces nunca lograda.

Oscar Niemeyer

(Río de Janeiro, 1907) Arquitecto brasileño, uno de los fundadores de la arquitectura moderna en su país y diseñador, junto con Lucio Costa, de Brasilia, la nueva capital de Brasil.

En 1928, finalizados los estudios secundarios, contrajo matrimonio con Annita Baldo, hija de inmigrantes italianos. Entró a trabajar en el taller de tipografía de su padre y, en 1929, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro, que dos años más tarde dirigiría Lucio Costa. En 1932 comenzó su carrera profesional en el estudio de arquitectura de Lucio Costa y Carlos Leáo, y en 1934 obtuvo el título de ingeniero arquitecto.

n 1936 recibió el encargo, junto con otros arquitectos, de diseñar el edificio del Ministerio de Educación y Sanidad de Río de Janeiro. A la influencia de Le Corbusier, asesor del proyecto, sumó una búsqueda de la adaptación del edificio al medio ambiente y una fértil imaginación. Desde ese momento profesó el funcionalismo arquitectónico, profundizando paulatinamente en las relaciones entre la arquitectura y el entorno.

Invitado por Lucio Costa, viajó a Estados Unidos en 1938 para participar en el proyecto del Pabellón de Brasil en la Feria Mundial de Nueva York. Dos años más tarde conoció al entonces alcalde de la ciudad de Belo Horizonte y futuro presidente del país, Juscelino Kubitschek, quien le encargó la construcción de un conjunto de edificios alrededor del lago artificial de la Pampulha. En 1947 viajó otra vez a Nueva York, en esta ocasión como miembro del Comité Internacional de Arquitectos encargado del desarrollo del proyecto de la sede de la Organización de las Naciones Unidas (ONU).

Sin duda, el proyecto más ambicioso de la arquitectura latinoamericana en el siglo XX fue el diseño y la construcción de Brasilia, la ciudad que el presidente Juscelino Kubitschek soñaba con levantar como nueva capital del país y como símbolo de su régimen democrático. Lucio Costa y Oscar Niemeyer fueron, a partir de 1956, los encargados de llevar a cabo el proyecto. El primero se hizo cargo del diseño del plano sobre el que había de levantarse la nueva capital (sobre dos ejes entrecruzados), y el segundo se responsabilizó del diseño de los edificios emblemáticos de la ciudad (la residencia del presidente, el Congreso Nacional, la sede del gobierno y la Catedral, entre otros), en los que combinó de forma singular imaginación y racionalismo.

El Congreso Nacional y la Catedral de Brasilia

http://youtu.be/0LVaDPKBO2w

LUCIO COSTA

LUCIO COSTA

Arquitecto brasileño de origen francés, pionero del movimiento moderno en su país y una de las figuras cumbres de la arquitectura y el urbanismo mundial; su obra capital fue el planeamiento de la ciudad de Brasilia.

 Nació en Tolón en 1902 y se formó como arquitecto en Francia. Este hecho fue fundamental para el posterior desarrollo de las ideas del movimiento moderno en Brasil, país al que se trasladó en la década de 1920.

En muchas de sus obras, como el edificio residencial del parque Eduardo Guinle en Río de Janeiro (1954), Costa proyectó grandes fachadas sombreadas por brise-soleils, un invento corbusiano cuya finalidad era proteger los interiores del intenso sol tropical. La obra fundamental de Lúcio Costa es el proyecto urbanístico de Brasilia. Este proyecto se había mantenido vigente durante el siglo XIX pero no fue hecho realidad hasta el XX.

Team X

El "Team 10" o "Team X" fue un grupo de arquitectos y otros invitados a unas reuniones que se iniciaron  en el congreso CIAM . Es ahí donde introdujeron sus doctrinas al urbanismo. Se dan a conocer con el "Manifiesto de  Doom", en el que reflejan sus ideas de arquitectura y urbanismo.

 Los integrantes del Team X exponían, discutían y analizaban problemas arquitectónicos, de manera que sus escritos no constituyen dogmas, sino ideas y opiniones.

El marco teórico del grupo, diseminado principalmente a través de sus enseñanzas y publicaciones, tuvo una profunda influencia en el desarrollo de los pensamientos arquitectónicos en la segunda mitad del s. XX, especialmente en Europa.

C.I.A.M.

El congreso internacional de arquitectura moderna, también conocido como CIAM se fundo en 1928 y fue disuelto en 1959; fue un movimiento moderno, lleno de ideas arquitectónicas.

La organización era enormemente influyente. No sólo fue destinada a formalizar los principios arquitectónicos del movimiento moderno, sino que también vio la arquitectura como una herramienta económica y política que se podría utilizar para mejorar el mundo mediante el diseño de edificios y el urbanismo.

En el cuarto congreso,el grupo hizo la carta de Atenas, un documento que adoptó un concepto funcional de la arquitectura moderna y del urbanismo que era único y provocativo. La carta, basada en discusiones ocurridas diez años antes, proclamaba que los problemas a los que se enfrentaban las ciudades se podrían resolver mediante la segregación funcional estricta, y la distribución de la población en bloques altos de apartamentos en intervalos extensamente espaciados. Las ideas fueron adoptadas ampliamente por los urbanistas en la reconstrucción de Europa después de la S.G.M, aunque para entonces los miembros del CIAM tenían dudas sobre algunos de los conceptos.

la historicidad del CIAM fue de manera siguiente:

§  1928, CIAM I, La Sarraz, Francia. Fundación del CIAM

§  1929, CIAM II, Fráncfort del Meno, Alemania. Enfocada en el trabajo de vivienda de Ernst May y la vivienda mínima (existenzminimum).

§  1930, CIAM III, Bruselas, Bélgica. Sobre el desarrollo racional del espacio.

§  1933, CIAM IV, Atenas, Grecia. Publicación de la Carta de Atenas.

§  1937, CIAM V, París, Francia. Sobre la vivienda y el ocio.

§  1947, CIAM VI, Bridgwater, Inglaterra. Sobre la reconstrucción de las ciudades devastadas por la II Guerra Mundial.

§  1949, CIAM VII, Bérgamo, Italia. Sobre la arquitectura como arte.

§  1951, CIAM VIII, Hoddesdon, Inglaterra. Sobre el corazón de la ciudad.

§  1954, CIAM IX, Aix-en-Provence, Francia. Publicación de la Carta de Habitación.

§  1956, CIAM X, Dubrovnik, Yugoslavia. Sobre el hábitat. Primera presencia de los Team X.

§  1959, CIAM XI, Otterlo, Holanda. Disolución del CIAM.

Conclusión Racionalismo

Podemos decir que la racionalización es una serie de procesos de estudio, de análisis, de comparaciones, entre otras. Entonces, toda la arquitectura es racionalista, pues necesita pasar por dicha seria de procesos. El racionalismo entonces implica el Furor de estos procesos por la que toda arquitectura pasa.

                El racionalismo nace a partir de la industrialización y es un avance al conocimiento científico; lo que se intenta es utilizar la máquina para sustituir a la naturaleza, pretendiendo hacer más sencilla la vida de los habitantes.

                La utilización de estos avances tecnológicos en la arquitectura pretender llevarla a un nuevo nivel, dándole “vida” a la construcción, haciéndola prácticamente autosustentable. el problema llega cuando la arquitectura deja de ser un “hogar”, un espacio habitable que refleje los gustos y las necesidades del habitante y se convierta en un espacio frívolo meramente habitacional sin ningún tipo de arraigo con sus habitantes; entonces la casa se convierte en un espacio funcional o disfuncional, es decir ¿está cumpliendo verdaderamente su función?

                Hoy en día la arquitectura sigue siendo racionalista, sin embargo, en los aspectos más básicos. Por ejemplo, tener en cuenta al usuario, sus gustos y preferencias, el contexto, la economía, entre otras. 

EL HOMBRE DE AL LADO

“El hombre de al lado” es una película argentina dirigida por  Gastón Duprat y Mariano Cohn; la película relata la historia de Leonardo,  un famoso diseñador industrial quien vive en una casa diseñada por Le Corbusier. La trama comienza cuando un nuevo vecino construye una casa con una ventana que enmarca la vista directamente a la casa de Leonardo, privándolo de intimidad a él y a su familia.

            No solo es el hecho de que esté nuevo vecino intimide a Leonardo, sino que insiste neciamente en que la ventana debe de tener esa disposición, pues justamente era esa equina en donde entraban rayos de sol indispensable para iluminar de manera natural la casa.

            La casa diseñada por Le Corbusier juega un papel estelar en la película, pues toda la trama se desarrolla alrededor de una ventana que da precisamente a dicha casa, y como está diseñada con sencillez y funcionalidad, con unas ventanas amplias, donde al igual que en el positivismo la visibilidad se convierte en espacios de vigilancia.

            Así como en la lectura de la película Mon Oncle, se representan dos formas distintas de vivir el espacio, por lo mismo se contraponen dos maneras de pensar, de concebir el espacio y de vivirlo.

            El problema, en ambas películas, no se soluciona por que la lección critica de la arquitectura y la forma de pensarla son diferentes para los personajes, es por eso que también son formas diferentes de vivirla.

            Esta manera tan distinta de concebir la arquitectura y la manera tan obsesiva de celar la propia casa hace que el problema se resuelva de una manera trágica.

            August Compte, quien estudia el positivismo, nos dice que estos fenómenos no son aislados, sino que deberíamos considerar todos los fenómenos como leyes naturales invariables…

Tanto en el hombre de al lado como en Mon Oncle el habitante de la casa no es solo el protagonista, si no la familia entera, quien cuenta con ciertas características y con rasgos particulares.

            El parecido de la película y la lectura es bastante, el extremismo al que llega Leonardo para deshacerse de la ventana de su vecino que colinda con la propia se apodera de él y crea una obsesión, haciendo todo lo posible, y lo imposible, para defender su casa, haciendo que la arquitectura quede intacta, y que esta enorme máquina para vivir, siga su función natural, respetando su diseño original. 

Lebbeus Woods

Lebbeus Woods, es sin duda uno de los arquitectos teóri­cos vivos más creativos y originales,... La obra de L.Woods critica las formas actuales de organización social. Estas son puestas en discusión desde la física y la política...

Lebbeus Woods, arquitecto nacido en Michigan en 1940. Después de haber trabajado con Eero Saarinen, ha concentrado su trabajo en prácticas experimentales y teóricas desde 1976. Desde los inicios de su carrera, Woods ha combinado el trabajo del arquitecto con el de artista y parte importante de su obra está relacionada con temas sociales e incluso científicos. El mismo sintetiza esta visión:

“The interplay of metrical systems establishing boundaries of materials and energetic forms is the foundation of a universal science (universcience) whose workers include all individuals”.

Entre sus actividades, Lebbeus Woods es cofundador del Research Institute for Experimental Architecture, una institución sin ánimo de lucro dedicada a la experimentación de arquitectura avanzada y también trabaja como profesor en la Cooper Union School of Architecture.


lo importante e impactante de Woods, es que propone ideas a través de premisas.

William Morris

William Morris nace en  Walthamstow, Londres en 1834 y muere en el 96.
Fue un artesano, diseñador, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts.


Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.


Con su experiencia en arte y arquitectura fundó, en 1861, junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial que él personalmente financiaba. Mediante esta empresa, Morris creó un “revival” cultural en la Inglaterra victoriana que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.


William Morris tuvo, sin lugar a dudas, una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX. 

Perdidos en Tokio (Película)

Para terminar de entender la función de los "Lugares" y los "No Lugares, vimos la película dirigida por Sofia Coppola "Perdidos en Tokio" que habla de un romance fugas que se da en una ciudad desconocida para los dos protagonistas, quienes no hablan el mismo idioma, ni comparten las mismas ideologías o cultura, a esto, sumándole la hostilidad de la ciudad, con millones de habitantes, casi iguales, y miles de lugares nuevos, desconocidos, desvinculados. 


 El echo el de que los ambos protagonistas estén viviendo en un Hotel, por días, semanas o meses, no hace de este un "lugar" para ellos, es decir, no hay ningún vinculo emocional o directo con éste, al final cada quien regresara a su casa, con sus cosas, con su entorno, a su "lugar".


No importa que en el lugar hayan vivido aventuras, emociones, etc., el vinculo que se crea con un espacio que es igual en Tokio y en otras 500 partes del mundo es muy difícil.


Cuando un "No lugar" se puede transformar en un "Lugar" es cuando se crea un vinculo, a través de emociones o sentimientos, un lugar que se recuerda, que se vive y que queda marcado en la persona, aunque sea en una persona. 


Los "Lugares" y los "No lugares" son muy subjetivos; es decir, lo que para mi representa un hotel más de los cientos y cientos que existe en una ciudad del oriente, para algunas otras personas, puede ser un "lugar", puede estar vinculado a el por recuerdos y sentimientos, una casa, un espacio arquitectónico, una ciudad, un metro, un hospital... incluso puede percibir algo que nunca ningunos de los demás percibimos, pues para nosotros, es otra franquicia. 






  

Arquitectura Contemporánea

La arquitectura contemporánea comienza en alrededor de los años 70, con el postmodernismo, que pretende responder a las contradicciones de la arquitectura moderna, utilizando como principal característica el recuperar los ornamentos arquitectónicos, es decir, el detalle. Básicamente se busca el recuperar formas y figuras del pasado, pero empleando la tecnología que tenemos ahora.

La arquitectura contemporánea intenta solucionar los errores urbanísticos cometidos por el movimiento moderno, pues se ocupaban sólo del problema funcional, abandonando los problemas sociales, económicos y culturales.

La Revolución Industrial es un factor que contribuye al cambió y al  contexto tecnológico y social de la construcción hasta que la composición arquitectónica perdó validez. A partir de 1840, los principales artistas y críticos buscaron nuevas aproximaciones a la arquitectura y al diseño.

La idea principal de la arquitectura contemporánea era rechazar aquellos estilos anteriores que se utilizaban. Entonces surge la arquitectura contemporánea la cual viene con una propuesta totalmente diferente a lo que ya existía. Basándose en el empleo de nuevas técnicas y nuevos materiales industriales, durante el siglo XX. Básicamente intenta responder a los problemas actuales, según el contexto.
Es decir, cada época ha sido basada en "arquitectura contemporánea" porque en especial, busca el la relación con el "ahora". 

Bibliografía.

Casas de lujo. Disponible en: http://www.casasdelujo.org/arquitectura/arquitectura-contemporanea.php

Pabellón de Barcelona

"menos es más"...

                              Mies van der Rohe

Este Pabellón, obra emblemática del movimiento modernista, fue creado para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 por el arquitecto  Mies van der Rohe.

El pabellón quería simbolizar el carácter progresista de la nueva Republica de Weimar y su recuperación tras la Primera Guerra Mundial. Este es uno de los edificios más importantes en la historia de la arquitectura moderna, ya que en él se plasman todas las ideas del movimiento moderno con más libertad que en otras obra. Este pabellón fue la obra perfecta para representar estas ideas, pues esta construcción no tenía otra función, más que difundir estas nuevas ideas, así como el uso de nuevos materiales y técnicas en la construcción.

            La  impresión de este pabellón es un espacio lujoso con un escaso mobiliario formado por sillas, con un diseño de Mies, una cortina roja y una alfombra negra. Complementaban la obra una escultura de Georg Kolbe: Der Morgen  que significa “La Mañana”

            El pabellón fue desmontado al finalizar la exposición junto con los demás, se convirtió en un referente clave para la historia de la arquitectura del siglo XX, así como para la trayectoria de Mies van der Rohe. Por ese motivo en 1980 se empezó a pensar en  la idea de reconstruir el edificio en su lugar original, con su mismo diseño y  con los mismos materiales.

Anexos

 Les dejo unos videos donde pueden pasear virtualmente por el Pabellón y lo pueden bajo las diferentes luces del día.

Bibliografía

 Fundacion Mies van der Rohe Barcelona. pagina web disponible en: http://www.miesbcn.com/es/fundacion.html

 Youtube.com